Belcanto ist eine Technik des virtuosen Singens. Stimmbildung. Operngesang

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 05:31

Lange Zeilen musikalischer Phrasen, melodische Passagen und Grazien, erstaunliche Stimmkontrolle und geschliffene Schönheit des virtuosen Gesangs. An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert entstand in Italien eine Gesangsschule, die der Welt eine darstellende Gesangstechnik gab, die die Italiener, gierig nach prätentiösen Begriffen, den Namen bel canto (bel canto) gaben - „schönes Singen“. Übertreiben wir es nicht und markieren diese Zeit als Beginn der Blütezeit des Theatergesangs und Ausgangspunkt für die Weiterentwicklung der Operngattung.

Die Geburt der Oper: Florenz

Die ersten Opern, die im beschriebenen Zeitraum erschienen, verdanken ihre Geburt einem kleinen Kreis von Liebhabern antiker Kunst, der sich in Florenz formierte und unter dem Namen "Florence Camerata" in die Musikgeschichte einging. Fans der antiken griechischen Tragödie träumten davon, den einstigen Ruhm dieses Genres wiederzubeleben und waren der Meinung, dass die Schauspieler nicht sprachen, sondern die Worte sangen, indem sie rezitativisch, einen melodischen fließenden Übergang von Klängen, den Text wiedergaben.

Die ersten Werke, die auf der Handlung des antiken griechischen Mythos von Orpheus geschrieben wurden, waren der Anstoß für die Geburt eines neuen Musikgenres- Opern. Und die als integraler Bestandteil dienenden Solo-Gesangsstimmen (Arien) zwangen die Sänger zu ernsthafter Stimmbildung, wodurch die Kunst des schönen Gesangs - Belcanto - entstand. Dies implizierte die Fähigkeit, anh altende melodische Fragmente mit einem langen Atemzug zu spielen und gleichzeitig eine reibungslose Klangerzeugung während der gesamten musikalischen Phrase aufrechtzuerh alten.

Neapolitanische Schule

Ende des 17. Jahrhunderts formierte sich die neapolitanische Operntradition und etablierte die Kunst des Belcanto endgültig auf der Theaterbühne. Es war sowohl eine Weiterentwicklung der florentinischen Idee als auch eine Veränderung derselben. In Neapel wurden Musik und Gesang zum Hauptbestandteil der Aufführung und nicht die Poesie, die bis dahin die dominierende Rolle eingenommen hatte. Diese Innovation erfreute das Publikum und löste große Begeisterung aus.

Neapolitanische Komponisten haben die Oper strukturell verändert. Sie verzichteten nicht auf die Verwendung von Rezitativen, die sie in verschiedene Typen einteilten: begleitet (begleitet von einem Orchester) und trocken, die Informationen enthielten, die auf umgangssprachliche Weise zu seltenen Cembalo-Akkorden präsentiert wurden, um die musikalische Tonalität aufrechtzuerh alten. Die für Interpreten obligatorische Stimmbildung erhöhte die Popularität von Solonummern, deren Form sich ebenfalls änderte. Es entstanden typische Arien, in denen die Charaktere Gefühle verallgemeinernd, situationsbezogen und nicht bild- oder charakterbezogen ausdrücken. Trauer, Possenreißer, Alltägliches, Leidenschaftliches, Rachearien – der Innenraum der neapolitanischen Oper war erfüllt von lebendigem Inh alt.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Der herausragende Komponist und Enthusiast Scarlatti ging als Gründer der Opernschule von Neapel in die Geschichte ein. Er schuf mehr als 60 Werke. Das von Scarlatti geschaffene Genre der ernsten Oper (Opera seria) erzählte mit Hilfe einer mythologischen oder historischen Handlung über das Leben berühmter Helden. Operngesang rückte die dramatische Linie der Aufführung in den Hintergrund, Rezitative wichen Arien.

Die Vielf alt der Gesangspartien in der ernsten Oper erweiterte die Anforderungen an Opernstimmen. Die Interpreten verbesserten sich in der Kunst des Singens, obwohl dies manchmal zu Kuriositäten führte - jeder von ihnen wollte, dass der Komponist Arien in die Oper einfügt, die die Würde der Stimme positiv hervorheben würden. Das Ergebnis war eine Sammlung unabhängiger Solonummern, was dazu führte, dass die Opera seria als "Kostümkonzert" bezeichnet wurde.

Schönheit und Handwerkskunst

Ein weiterer Beitrag der neapolitanischen Opernschule zur Entwicklung des Belcanto war die Verwendung von ornamentalen (Koloratur-) Dekorationen der musikalischen Palette in den Gesangsstimmen. Koloratur wurde am Ende von Arien verwendet und half den Darstellern, dem Publikum den Grad der Stimmkontrolle zu demonstrieren. Große Sprünge, Triller, weite Passagen, die Verwendung von Sequenzen (Wiederholung einer musikalischen Phrase oder melodische Wendung in verschiedenen Registern oder Tonarten) – so wurde die Ausdruckspalette der Belcanto-Virtuosen erweitert. Dies führte dazu, dass oft der Grad des Könnens des Sängers bewertet wurdeentsprechend der Komplexität der von ihm gespielten Koloraturen.

Die italienische Musikkultur stellte hohe Anforderungen. Die Stimmen berühmter Sänger zeichneten sich durch ihre Schönheit und ihren Klangfarbenreichtum aus. Das Stimmtraining half, die Aufführungstechnik zu verbessern und einen gleichmäßigen und fließenden Klang in allen Bereichen zu erreichen.

Erste Wintergärten

Die Nachfrage nach Belcanto führte zur Gründung der ersten Bildungseinrichtungen, die Sänger ausbildeten. Waisenhäuser – Konservatorien – wurden die ersten Musikschulen im mittel alterlichen Italien. Die Belcanto-Technik wurde in ihnen auf der Grundlage von Nachahmung, Wiederholung nach dem Lehrer gelehrt. Dies erklärt den hohen Ausbildungsstand der damaligen Sänger. Schließlich haben sie bei anerkannten Meistern wie Claudio Monteverdi (1567-1643) oder Francesco Cavalli (1602-1676) studiert.

Den Schülern wurden spezielle Übungen zur Entwicklung der Stimme, Solfeggio, zusammengestellt, die wiederholt werden mussten, um die Gesangstechnik zu verbessern und die Atmung zu entwickeln - Fähigkeiten, die für Belcanto so wichtig sind. Dies führte dazu, dass nach Beginn der Ausbildung im Alter von 7-8 Jahren im Alter von 17 Jahren professionelle Darsteller für die Opernbühne aus den Wänden des Konservatoriums hervorgingen.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Der italienische Belcanto bestimmte mit seinem Erscheinen den Entwicklungstrend der Opernmusikkultur für die nächsten drei Jahrhunderte. Ein Meilenstein in seiner Entwicklung war das Werk des italienischen Komponisten G. Rossini. Die rhythmische Energie, Brillanz und Beweglichkeit der Gesangspartien forderte von den Interpreten eine reiche Klangfarbenvielf alt, Virtuosität undaußergewöhnliche Gesangsschule. Auch die Singsang-Arien und Rezitative in Rossinis Kompositionen verlangten volle Hingabe.

Rossinis Melodik ebnete den Weg für den klassischen Belcanto, der sich durch die Vollständigkeit der Phrasen, die sanfte und luftige, saubere, frei fließende, sanfte Melodie (Kantilene) und die sinnlich erhabene Glut auszeichnet. Bemerkenswert ist, dass der Komponist selbst die Kunst des Singens aus erster Hand kannte. Als Kind sang er im Kirchenchor, im Erwachsenen alter widmete er sich neben dem Komponieren mit Begeisterung der Gesangspädagogik und schrieb sogar mehrere Bücher zu diesem Thema.

Pädagogik

Der italienische Operngesang, der zu einem Symbol der europäischen Musikkultur des 17. bis 19. Jahrhunderts wurde, entstand dank der Arbeit begabter innovativer Lehrer, die Gesang studierten und mit der menschlichen Stimme experimentierten, um ihren Klang zu perfektionieren. Die in ihren Schriften beschriebenen Techniken werden immer noch bei der Vorbereitung von Sängern verwendet.

Kein einziges Detail entging der Aufmerksamkeit der Lehrer. Die Schüler verstanden die Geheimnisse der freien und leichten Singatmung. Das Stimmtraining setzte eine moderate Lautstärke, kurze melodische Phrasen und enge Intervalle voraus, was eine Sprachatmung ermöglichte, die durch ein schnelles und tiefes Einatmen gefolgt von einem langsamen Ausatmen gekennzeichnet war. Übungskomplexe wurden entwickelt, um eine homogene Klangerzeugung in hohen und tiefen Lagen zu trainieren. Sogar das Training vor einem Spiegel gehörte zum Lehrgang für Nachwuchsdarsteller – exzessive Mimik und ein angespannter Gesichtsausdruck verrieten krampfhafte ArbeitSprachgerät. Es wurde empfohlen, locker zu bleiben, aufrecht zu stehen und mit Hilfe eines Lächelns einen klaren und nahen Klang zu erzielen.

Neue Gesangstechniken

Aufwändige Gesangsparts, Dramaturgie und theatralische Darbietungen stellten die Sängerinnen und Sänger vor schwierige Aufgaben. Die Musik spiegelte die innere Welt der Charaktere wider und die Stimme wurde zu einem integralen Bestandteil des gesamten Bühnenbildes. Dies zeigte sich deutlich in den Opern von G. Rossini und G. Verdi, deren Werk den Aufstieg des Belcanto-Stils markierte. Die klassische Schule hielt es für akzeptabel, Falsett auf hohen Tönen zu verwenden. Die Dramaturgie lehnte diesen Ansatz jedoch ab – in der heroischen Szene trat das männliche Falsett in ästhetische Dissonanz mit der emotionalen Färbung der Handlung. Der erste, der diese Stimmschwelle überwand, war der Franzose Louis Dupre, der damit begann, die Art der Klangerzeugung zu nutzen, die physiologische (Verengung des Kehlkopfes) und phonetische (Sprache in der „Y-förmigen“Position) Mechanismen zum Schutz der Stimme etabliert Apparat und später „bedeckt“genannt. Es erlaubte, den oberen Teil des Tonbereichs zu formen, ohne ins Falsett zu wechseln.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Bei der Betrachtung der Operngesangskunst ist es undenkbar, die Figur und das kreative Erbe des großen italienischen Komponisten G. Verdi zu ignorieren. Er transformierte und reformierte die Oper, führte Handlungskontraste und Gegensätze ein. Er war der erste der Komponisten, der sich aktiv an der Ausarbeitung der Handlung, dem Bühnenbild und der Produktion beteiligte. In seinen Opern dominierten These und Antithese, tobten Gefühle und Gegensätze vereintbanal und heroisch. Dieser Ansatz diktierte neue Anforderungen an Sänger.

Der Komponist kritisierte die Koloratur und sagte, Triller, Vorschlagsnoten und Gruppetti seien nicht geeignet, Grundlage einer Melodie zu werden. Es gibt fast keine ornamentalen Verzierungen in den Kompositionen, die nur in den Sopranstimmen verbleiben und später vollständig aus den Opernpartituren verschwinden. Die männlichen Partien in den Höhepunkten wurden mit dem bereits beschriebenen „verdeckten Ton“in die oberen Lagen verschoben. Die Interpreten der Baritonparts waren gezwungen, die Arbeit des Stimmapparats aus einer hohen Tessitura (Höhenanordnung von Klängen relativ zum Gesangsbereich) neu aufzubauen, die durch die Reflexion des emotionalen Zustands der Charaktere diktiert wurde. Dies führte zur Entstehung eines neuen Begriffs - "Verdi-Bariton". Das Werk von G. Verdi, 26 wunderschöne Opern, die an der Mailänder Scala aufgeführt wurden, markierte die zweite Geburt des Belcanto – der Kunst, die Stimme zu perfektionieren.

Welttournee

Der leichte und anmutige Gesangsstil kann nicht innerhalb der Grenzen eines Staates geh alten werden. Der größte Teil Europas geriet nach und nach in seinen Bann. Schöner Gesang eroberte die Theaterbühnen der Welt und beeinflusste die Entwicklung der europäischen Musikkultur. Es wurde eine Opernregie gebildet, die den Namen „belkanta“erhielt. Der Stil verschob die Grenzen seiner Anwendung und trat in die Instrumentalmusik ein.

Die virtuose Melodie von F. Chopin (1810-1849) synthetisierte polnische Volkspoetik und italienischen Opern-Belcanto. Die verträumten und sanften Heldinnen der Opern von J. Masnet (1842-1912) sind von belcanthischem Charme erfüllt. Der Einfluss des Stils erwies sich als so groß, dass sein Einfluss auf die Musik wirklich grandios wurde und sich von der Klassik bis zur Romantik erstreckte.

Kulturen verbinden

Der große Komponist M. I. Glinka (1804-1857) wurde zum Begründer der russischen Klassik. Sein Orchestersatz – erhaben lyrisch und zugleich monumental – ist voller Melodien, in denen sowohl Volksliedtraditionen als auch die belkante Raffinesse italienischer Arien sichtbar werden. Die ihnen eigentümliche Kantilene entpuppte sich als ähnlich der Melodiösität langgezogener russischer Lieder - wahrhaftig und ausdrucksstark. Das Vorherrschen der Melodie über den Text, innersilbige Gesänge (Gesangsakzentuierung einzelner Silben), Sprachwiederholungen, die die Länge der Melodie erzeugen - all dies wurde in den Werken von M. I. Glinka (und anderen russischen Komponisten) erstaunlich harmonisch kombiniert die Traditionen der italienischen Oper. Die nachklingenden Volkslieder verdienten laut Kritikern den Titel "russischer Belcanto".

Im Repertoire der Stars

Die glänzende Ära des italienischen Belcanto endete in den 1920er Jahren. Die militärischen und revolutionären Umwälzungen des ersten Viertels des Jahrhunderts haben das normative Wesen des romantischen Operndenkens durchgestrichen, es wurde durch Neoklassizismus und Impressionismus, Moderne, Futurismus und andere in Richtungen unterteilte ersetzt. Und doch hörten die berühmten Opernstimmen nie auf, sich den Meisterwerken des klassischen italienischen Gesangs zuzuwenden. Die Kunst des „schönen Singens“wurde von A. V. Nezhdanov und F. I. Schaljapin. Der unübertroffene Meister dieser Gesangsrichtung war L. V. Sobinov, der als Botschafter des Belcanto in Russland bezeichnet wurde. Die großen Maria Callas (USA) und Joan Sutherland (Australien), von Kollegen mit dem Titel „Voice of the Century“ausgezeichnet, der lyrische Tenor Luciano Pavarotti (Italien) und der unübertroffene Bass Nikolai Gyaurov (Bulgarien) – ihre Kunst basierte auf der künstlerische und ästhetische Grundlage des italienischen Belcanto.

Schlussfolgerung

Neue Trends in der Musikkultur haben es nicht geschafft, die Brillanz der klassischen italienischen Bel-Cante-Oper zu überstrahlen. Stück für Stück suchen junge Interpreten die in den Notizen der Meister der Vorjahre aufbewahrten Informationen über richtiges Atmen, Klangerzeugung, Stimmbildung und andere Feinheiten auf. Das ist kein nutzloses Interesse. Das anspruchsvolle Publikum hat das Bedürfnis geweckt, keine moderne Interpretation klassischer Werke zu hören, sondern in den zuverlässigen temporären Raum makelloser Gesangskunst einzutauchen. Vielleicht ist dies ein Versuch, das Geheimnis des Belcanto-Phänomens zu lüften – wie in Zeiten des Verbots weiblicher Stimmen und der Präferenz für eine hohe männliche Stimmlage eine Gesangsrichtung geboren werden konnte, die Jahrhunderte überdauerte und sich zu einem harmonischen System entwickelte legten über mehrere Jahrhunderte den Grundstein für die Ausbildung professioneller Sänger.