Marmorstatue: die Geschichte der Bildhauerei, die größten Bildhauer, Meisterwerke der Welt, Fotos

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 05:31

Weißer Marmor ist das fruchtbarste Material für skulpturale Arbeiten, die Menschen darstellen. Es ist so weich, dass es sich gut für den Fräser eignet, aber gleichzeitig dicht genug, um feinste Details zu schnitzen und das Schleifen perfekt zu akzeptieren. Die Marmorstatue vermittelt am besten den emotionalen Zustand, die Sinnlichkeit und die anatomische Perfektion des menschlichen Körpers. Die Bildhauer des antiken Griechenlands waren die ersten, die die Bildhauerkunst auf ein solches Niveau brachten, als es den Anschein hatte, als würde ein toter Stein zum Leben erwachen und schöne Umrisse annehmen. Seitdem haben Künstler anderer Epochen konsequent versucht, die Technik der Marmorskulptur zu verbessern, um ihre erhabenen Ideen so lebendig und bildlich wie möglich auszudrücken, makellose Formen und die Tiefe menschlicher Gefühle zu vermitteln.

Warum Marmor?

Seit der Antike verwendeten die Ägypter verschiedene Steinarten zur Herstellung skulpturaler Formen, wie schwarzen Obsidian und Bas alt, grünbraunen Diorit, violetten Porphyr, weichen CalcitAlabaster, Kalkstein. Seit der Antike werden Statuen aus Bronze und Legierungen geschaffen. Warum also wird Marmor von Künstlern so geschätzt, und warum wirken Arbeiten aus diesem Material geradezu lebendig?

Wie Alabaster, dessen dünne Platten das Licht gut durchlassen, besteht Marmor aus Calcit und behält ebenfalls eine gewisse Lichtdurchlässigkeit. Eine samtige Textur bildet keine kontrastierenden Glanzlichter und scharfen tiefen Schatten, die Metall innewohnen, und erzeugt ein weiches Spiel von Licht und Schatten. Skulpturaler Marmor hat eine dichte Struktur und den hellsten Ton, der zusammen mit dem glatten Polieren des Materials das Licht im Gegensatz zu farbigen Steinen gut reflektiert. All diese Qualitäten erwecken in Marmorskulpturen in größerem Maße den Eindruck von lebendigem Fleisch als in Skulpturen aus anderen Materialien.

Skulpturaler Marmor enthält die geringste Menge an Verunreinigungen, was nicht nur die fast weiße Farbe, sondern auch die Gleichmäßigkeit des Steins beeinträchtigt. Es ist ein leicht zu verarbeitendes Kunststoffmaterial, das jedoch dicht und hart genug ist, um Sprünge und Risse zu vermeiden, sodass Sie kleinste Details herausarbeiten können. Deshalb wird Marmor besonders von Bildhauern bevorzugt.

Antike

Die altgriechische Bildhauerkunst erreichte ihren Höhepunkt im 5. Jahrhundert v. Zu dieser Zeit entwickelten sich die grundlegenden Techniken, Techniken und mathematischen Berechnungen, die für die Geburt von Statuen erforderlich sind. Es hat sich ein spezielles Proportionssystem herausgebildet, das das Schönheitsideal des menschlichen Körpers definiert und zu einem klassischen Kanon dafür geworden istalle Künstlergenerationen. Im Laufe eines Jahrhunderts erreichte das handwerkliche Niveau der griechischen Skulptur Perfektion. Die Statuen dieser Zeit bestanden jedoch hauptsächlich aus Bronze und Holz mit Gold- und Elfenbeinverzierungen. Marmorstatuen schmückten hauptsächlich die Giebel, Friese und Außenwände von Tempeln, meistens in Form von Reliefs, Flachreliefs und Hochreliefs, das heißt, teilweise in die Hintergrundebene eingetaucht.

Ab dem 4. Jahrhundert v. Chr. zeichnen sich die bildhauerischen Werke Griechenlands durch eine besondere Plastizität der Posen, die Übertragung von Sinnlichkeit, Dramatik und Spleißen aus, für deren Verkörperung die Meister Marmor zu bevorzugen begannen. Die großen antiken Bildhauer erschufen "lebende" Marmorstatuen, um die Schönheit der menschlichen Gefühle und des Körpers zu betonen. In den größten Museen der Welt bewundern die Menschen bis heute die Perfektion geschnitzter Formen und die virtuose Arbeit von Künstlern wie Scopas, Praxiteles, Lysippus, weniger bekannten Bildhauern und solchen, deren Namen die Geschichte nicht bewahrt hat. Klassische Werke dienen seit vielen Jahrhunderten als akademischer Standard, der bis in die Moderne hinein von allen Bildhauergenerationen befolgt wurde.

Mittel alter

Es ist erstaunlich, wie schnell mit dem Aufkommen und der Entwicklung des Christentums die Errungenschaften der alten Künste und Wissenschaften in Vergessenheit gerieten. Das hohe Können der Bildhauer wurde auf das Niveau des üblichen Handwerks unfähiger Schnitzer reduziert. Bereits Ende des 12. Jahrhunderts wurden eher grobe und primitive Statuen, nicht vollständig geschnitzt und abgetrenntDie Fundamente blieben Teil des Steinblocks, der in die Wand des Tempels eingebaut wurde. Freistehende Figuren tauchen erst ab dem 13. Jahrhundert auf, blieben aber mit ausdruckslosen Gesichtern in zwanghaft statischen Posen, eher wie archaische Idole, nur eine architektonische Ergänzung. Die nackte Natur und die Spiegelung der Sinnlichkeit werden inakzeptabel, die klassischen Schönheitsprinzipien und Proportionen werden vergessen. Bei der Herstellung einer Marmorstatue wird mehr Aufmerksamkeit auf die F alten der Kleidung gerichtet und nicht auf das Gesicht, das einen gefrorenen Ausdruck der Gleichgültigkeit erhielt.

Renaissance

Versuche, das verlorene Wissen und Können der Bildhauerei wiederzubeleben und eine theoretische Grundlage für Techniken zu schaffen, begannen Ende des 12. Jahrhunderts in Italien. Mit dem Beginn des 13. Jahrhunderts auf der Apenninenhalbinsel wurde Florenz zum Zentrum für die Entwicklung von Kunst und kulturellem Einfluss, wohin alle talentierten und erfahrenen Handwerker eilten. Gleichzeitig wird in Pisa die erste große Schule für Bildhauerei eröffnet, wo Künstler die Gesetze der antiken Architektur und Bildhauerei studieren und wiederentdecken und die Stadt zum Zentrum der klassischen Kultur wird. Das Herstellen von Statuen wird zu einer eigenständigen Disziplin und nicht mehr zu einer kleinen Ergänzung der Architektur.

Das 15. Jahrhundert war eine Zeit des totalen Wandels in der Kunst. Künstler beleben und nehmen die in der Antike anerkannten Gesetze der Proportionen und Kanons der Schönheit zum Maßstab. Auch bei der Bronze- und Marmorstatue bemühen sich die Bildhauer, menschliche Gefühle edel und erhaben widerzuspiegeln, die subtilen Nuancen von Emotionen zu vermitteln, die Illusion von Bewegung zu reproduzieren und den Posen der Figuren Leichtigkeit zu verleihen. Diese Qualitäten zeichnen die Arbeit von Ghiberti, Giorgio Vasari, Andrea Verrocchio und dem größten Meister Donatello aus.

Hochrenaissance

Die kurze Etappe der Renaissance heißt Hochrenaissance, sie umfasst die ersten dreißig Jahre des 16. Jahrhunderts. Diese kurze Zeit entpuppte sich als eine Explosion kreativen Genies, die unübertroffene Kreationen hinterließ und die Bildung weiterer Kunstrichtungen beeinflusste.

Die italienische Skulptur erreichte in ihrer Entwicklung ihren Höhepunkt, und ihr Höhepunkt war das Werk des größten Künstlers und Bildhauers aller Zeiten - Michelangelo. Die Marmorstatue, die aus den Händen dieses talentierten Meisters stammt, vereint die hohe Komplexität der Komposition, die perfekte technische Verarbeitung des Materials, die perfekte Darstellung des menschlichen Körpers, die Tiefe und Erhabenheit der Gefühle. Seine Werke strahlen ein Gefühl von Spannung, verborgener Kraft, kolossaler spiritueller Kraft aus, sie sind voller edler Erhabenheit und Tragik. Unter den bildhauerischen Werken des Meisters „Moses“gelten die Komposition „Beweinung Christi“(„Pieta“) und eine Marmorstatue von David als große Errungenschaft des menschlichen Genies. Laut Kunsthistorikern konnte nach Michelangelo niemand so etwas wiederholen. Kraftvoller, zu freier und äußerst individueller Stil, der dem enormen Talent des Künstlers geschuldet war und für seine vielen Schüler, Anhänger und Nachahmer unerreichbar war.

Barock

Im Stadium der Spätrenaissance, genanntManierismus, ein neuer Stil entsteht - Barock. Es basiert auf den Prinzipien des absoluten Klassizismus, aber die skulpturalen Formen verlieren ihre frühere Einfachheit der Linien, Aufrichtigkeit und Adel der Idee. Die Posen der Charaktere erh alten übermäßige Vortäuschung und Manierismen, komplizierte Kompositionen werden durch ein Übermaß an Details kompliziert und die gezeigten Gefühle werden theatralisch übertrieben. Die meisten Bildhauer, die der äußeren Wirkung nachjagten, versuchten, nur die Kunst der Ausführung und ihre reiche Vorstellungskraft zu zeigen, die sich in sorgfältigem Studium zahlreicher Details, Prätentiösität und Anhäufung von Formen ausdrückte.

Allerdings zeichnet sich diese Periode durch extrem feine, fast schon schmucke Techniken und Geschick in der Marmorverarbeitung aus. Hervorragende Bildhauer wie Giovanni Bologna (ein Schüler von Michelangelo), Bernini und Algardi vermittelten meisterhaft den Eindruck von Bewegung und nicht nur sehr komplexe, manchmal scheinbar instabile Kompositionen und Posen von Figuren, sondern auch hervorragend geschnitzte, wie gleitende F alten von Gewändern. Ihre Arbeiten sind sehr sinnlich, sie wirken perfekt und berühren die tiefsten Emotionen des Betrachters und fesseln seine Aufmerksamkeit für lange Zeit.

Es wird angenommen, dass der Stil bis zum Ende des 18. Jahrhunderts andauerte und sich auch in anderen Richtungen manifestierte. Aber im 19. Jahrhundert, als die Künstler nur die früheren Kunststufen reproduzierten, fanden barocke Züge oft Ausdruck in der Skulptur. Ein solch erstaunliches Beispiel sind die Marmorstatuen mit einem Schleier des italienischen Meisters Rafael Monti, der die undenkbare Illusion eines transparenten Schleiers aus Stein schuf.

Schlussfolgerung

Im 19. Jahrhundert stand die Marmorstatue noch unter dem absoluten Einfluss des strengen Klassizismus. Seit der zweiten Hälfte des Jahrhunderts suchen Bildhauer nach neuen Ausdrucksformen für ihre Ideen. Doch trotz der raschen Verbreitung des Realismus in der Malerei, als Künstler versuchten, die wahre Realität des Lebens widerzuspiegeln, blieb die Skulptur lange Zeit im Griff des Akademismus und der Romantik.

Die letzten zwanzig Jahre des Jahrhunderts waren von einer realistischen und naturalistischen Tendenz in den Werken der französischen Bildhauer Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde geprägt. Aber vor allem ragte das Werk des Genies Auguste Rodin heraus, der zum Vorläufer der modernen Kunst wurde. Seine reifen Werke, die oft Skandale auslösten und kritisiert wurden, verkörperten die Züge von Realismus, Impressionismus, Romantik und Symbolik. Die Skulpturen „Bürger von Calais“, „Der Denker“und „Der Kuss“gelten als Weltmeisterwerke. Die Skulptur von Rodin ist der erste Schritt in Richtung der Formen der kommenden Trends des 20. Jahrhunderts, als die Verwendung von Marmor zugunsten anderer Materialien allmählich reduziert wurde.