Temperamentskala: Begriff, Entstehungsgeschichte und Grundlagen der Musiktheorie

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 05:31

Eine der berühmtesten Schöpfungen Johann Sebastian Bachs heißt Wohltemperiertes Klavier, kurz „HTK“. Wie ist diese Überschrift zu verstehen? Er weist darauf hin, dass alle Werke des Zyklus für das Clavier geschrieben wurden, das eine temperierte Tonleiter hat, also diejenige, die für die meisten modernen Musikinstrumente typisch ist. Was sind seine Eigenschaften und wie ist es erschienen? Dies und vieles mehr erfahren Sie im Artikel.

Allgemeine Informationen

Die temperierte Tonleiter geht davon aus, dass jede Oktave (der Abstand zwischen denselben Noten unterschiedlicher Tonhöhe) in eine bestimmte Anzahl gleicher Intervalle unterteilt ist. In den meisten Fällen, in denen eine solche Stimmung verwendet wird, sind die Klänge in Halbtönen angeordnet. Stellen wir uns eine Klaviertastatur vor, dann ist genau dieser Abstand gleich dem Abstand zwischen ihnenNebenschlüssel. Dasselbe gilt für jedes andere Keyboard, Blasinstrument oder andere Instrument.

Zum Beispiel wird auf einer Gitarre zwischen benachbarten Noten auf derselben Saite ein Intervall von einer kleinen Sekunde gesetzt, was einem halben Ton entspricht.

Temperamentwert

Der Name dieses Systems kommt von der lateinischen Wurzel und bedeutet Messung. Daher kann diese Leistung nicht nur der Musiktheorie, sondern auch der Mathematik zugeschrieben werden. Tatsächlich wurden Versuche, ein solches System zu entwickeln, seit der Antike von Leuten unternommen, die Fachleute auf diesen beiden Wissensgebieten waren und auch andere Wissenschaften, zum Beispiel Physik, kannten. Und das ist nicht verwunderlich, da es sich in diesem Fall um Luftschwingungen handelt, die Geräusche erzeugen.

Mathematische Berechnungen halfen den Forschern, die Klänge, aus denen die Oktave besteht, auf diese Weise zu systematisieren, um Musikern einige Aufführungsaufgaben zu erleichtern. So ermöglichte die Einführung des temperamentvollen Musiksystems, den Transport von Werken erheblich zu vereinfachen. Jetzt erfordert das Spielen derselben Komposition in verschiedenen Tonarten kein wiederholtes Lernen. Wenn jemand die Grundlagen der Musiktheorie und Harmonie kennt, kann er ein Stück in jeder Tonart spielen. Langjährige Erfahrung ermöglicht es Ihnen, dies schnell genug zu tun.

Funktionen

Die temperierte Stimmung hat sich vor allem bei der Aufführung von Vokalmusik als nützlich erwiesen. Mit seiner Einführung erhielten Sänger die Möglichkeit, Werke auf die bequemste Weise aufzuführenTon für sie. Dies bedeutet, dass Sänger ihre Stimmbänder nicht mehr überanstrengen müssen, indem sie zu tiefe oder hohe Töne nehmen, die für ihren Tonumfang untypisch sind. Natürlich ist solch ein freier Umgang mit musikalischem Material nicht in allen Genres willkommen. Zunächst einmal betrifft es die klassische Musik. Beispielsweise wird die Aufführung von Opernarien in anderen als den Origin altonarten als inakzeptabel angesehen.

Es ist auch nicht akzeptabel, Symphonien, klassische Instrumentalkonzerte, Sonaten, Suiten und Werke vieler anderer Genres zu transportieren. Im Gegensatz zur Popmusik ist hier die Tonalität von viel größerer Bedeutung. Die Geschichte kennt Beispiele einiger Komponisten mit einem „farbigen“musikalischen Ohr. Das heißt, für diese Künstler war jede Tonart einem bestimmten Farbton zugeordnet. Skrjabin und Rimski-Korsakow unterschieden sich in dieser Wahrnehmung von Musik.

Andere klassische Komponisten, obwohl sie keine so "farbige" Klangwahrnehmung hatten, unterschieden dennoch Tonalitäten durch andere Merkmale (Wärme, Sättigung usw.). Die Überführung ihrer Werke in willkürliche Tonarten ist nicht akzeptabel, da dies die Absicht des Autors verzerrt.

Unentbehrlicher Helfer

Allerdings leugneten selbst solche Komponisten nicht die Bedeutung der gleichschwebenden Stimmung für die Entwicklung der Musikkunst. Der freie Übergang von einer Tonart zur anderen hat nicht nur einen offensichtlichen "praktischen" Vorteil, da er es den Interpreten ermöglicht, sich beim Spielen wohl zu fühlenspielen und singen. Mit der richtigen Wahl der Tonalität klingt die Stimme des Sängers viel heller und natürlicher, als wenn er sein Bestes gibt, um für seinen Bereich (tiefe oder hohe) Töne untypisch zu spielen.

Temperaturskala (und damit freier Tonartwechsel) bietet die Möglichkeit, Werke mit einer großen Zahl von Tonabweichungen und Modulationen zu schreiben. Und dies wiederum ist eine lebendige visuelle Technik, die in der klassischen Musik weit verbreitet war. Mit dem Aufkommen der Ära der Pop-Art ist die Verwendung von Modulationen noch wichtiger geworden. Daher werden in Jazzimprovisationen oft harmonische Sequenzen verwendet, die sich von einer Tonart zur anderen bewegen. Daher kann die Temperamentskala als einer der Motoren des Fortschritts in der Musik bezeichnet werden.

Verlauf

Theoretische Forschung auf dem Gebiet der Musik begann in der Antike. Einer der ersten Wissenschaftler, der auf die Formation zu achten begann, war der antike griechische Mathematiker Pythagoras. Doch schon vor der Geburt dieser herausragenden Person gab es viele Musikinstrumente mit einem bereits geformten System. Die Leute, die sie spielten, hatten oft keine Ahnung, weder von den physikalischen Eigenschaften des Klangs noch von den Grundlagen der Musiktheorie. Sie lernten ihre Kunst und verstanden viele ihrer Weisheiten intuitiv.

Das heißt, zu dieser fernen Zeit lernten die Menschen durch Versuch und Irrtum die akustischen Gesetze, die der Musiktheorie und der Harmonie zugrunde liegen. Und diese Wissenschaften stehen, wie Sie wissen, in ihrer Komplexität der höheren Mathematik in nichts nach. Ein Denker sagte später:dass Musiker und Komponisten unbewusst damit beschäftigt sind, die komplexesten physikalischen und mathematischen Probleme zu lösen. Der erste ernsthafte Forscher dieser Fragen war der bereits erwähnte Pythagoras.

Pythagoräisches System

Ein altgriechischer Wissenschaftler führte Experimente mit dem Klang des einfachsten Musikinstruments durch, das aus einem Holzkörper und einer darüber gespannten Schallquelle bestand - einer einzelnen Saite.

Er erfand sein eigenes System, das Pythagoräisch genannt wurde. Die Klänge darin wurden in reinen Quinten arrangiert. Die Verwendung eines solchen Systems ermöglichte es einigen Instrumenten, die Anzahl der Saiten zu reduzieren. Zuvor waren alle Instrumente wie eine Harfe angeordnet, das heißt, jede ihrer Saiten konnte nur einen Ton erzeugen. Fingerklemmen wurde nicht verwendet. Mit der Einführung des pythagoreischen Systems konnten die Musiker jedoch immer noch nicht die Tonart des gesamten Werks oder eines Teils davon ändern. Dieses Stimmsystem wurde bis ins Mittel alter verwendet. Dann wurden die Orgeln für die Aufführung von Kirchenmusik nach altgriechischem Vorbild gestimmt. Dieses System hatte zusätzlich zu den aufgeführten Nachteilen noch zwei weitere Nachteile. Erstens war die Skala in ihnen nicht geschlossen. Das bedeutet, dass es unmöglich war, nach dem Spielen der Tonleiter von bis zu derselben Note zu kommen, jedoch in einer höheren Oktave.

Und zweitens hatten so gestimmte Instrumente immer mehrere sogenannte "Wolf"-Sounds, also Tasten oder Bünde, deren Klang die Achse aus der Tonart klopfte, in der das gesamte Instrument gestimmt war.

Musik vor dem Barock

Musiker, Komponisten und Instrumentenbauer im Mittel alter waren ständig auf der Suche nach der perfekten Stimmung. Reisende Theaterkünstler waren berühmt für ihr virtuoses Lautenspiel. Zu diesem Instrument wurden komische Verse zu aktuellen Themen vorgetragen. Künstler mussten ihr Instrument auf der Suche nach der richtigen Tonart neu stimmen, um sie ihrem Stimmumfang anzupassen, und das bedeutete mehr, als die Saiten zu lockern oder zu spannen, wie es heute der Fall ist.

Diese Prozedur erforderte einen Bundwechsel. Sie waren nicht wie bei modernen Gitarren fest mit dem Griffbrett verbunden. Dann wurden sie durch Gurte aus Tierhaut ersetzt, die sich frei entlang des Griffbretts bewegten. Beim Umbau des Instruments mussten also auch diese Bünde versetzt werden. Nicht umsonst scherzte man damals, dass Lautenspieler ein Drittel ihres Lebens damit verbringen, das Instrument zu stimmen.

Außerdem gab es im pythagoräischen System kein Konzept für enharmonische gleiche Klänge. Das heißt, die Note „Fis“klang damals nicht wie „Ges“.

Verschiedene Optionen

Ein nahezu modernes Stimmsystem stammt aus der Zeit Johann Sebastian Bachs.

Es hieß "wohltemperiertes Tuning". Was war sein Wesen? Wie bereits erwähnt, gab es davor keine enharmonischen Gleichtöne. Das heißt, wenn es damals ein modernes Klavier gab, dann hätten zwischen den Tasten "do" und "re" zwei sein müssenschwarz: Cis und Des, anstelle des heutigen, das beide Funktionen erfüllt.

Zu Zeiten Johann Sebastian Bachs erlangte Musik in Tonarten mit vielen Kreuzen und Bs große Popularität. Komponisten fingen an, einen kniffligen Zug zu verwenden - um die Aufführung zu erleichtern, nahmen sie oft enharmonische Substitutionen vor. Statt „Ges“fingen sie beispielsweise an, „Fis“in die Partituren zu schreiben. Aber diese Noten waren damals einander nicht ebenbürtig. Das heißt, ihr Sound, wenn auch nicht viel, aber anders. Daher fühlten sich die Leute beim Hören solcher Musik ein wenig unwohl.

Ungenau, aber praktisch

Aber bald war ein Ausweg aus dieser Situation gefunden. Zwei Noten, die sich zwischen benachbarten Stufen der Tonleiter befanden, wurden durch eine dazwischen liegende ersetzt. Dieser Ton war diesen beiden Tönen nur ungefähr gleich, oder besser gesagt, es war ihr Durchschnittswert. Dennoch eröffnete eine solche Innovation Möglichkeiten für Komponisten und Interpreten.

Natur- und gehärtete Schuppen

Eine natürliche Tonleiter enthält nur die Hauptschritte der Tonleiter. Die Verhältnisse zwischen ihnen sind wie folgt: zwei Töne - ein Halbton - drei Töne - ein Halbton. Nach diesem Schema werden die einfachsten Volksinstrumente gestimmt: Pfeifen, Pfeifen und so weiter.

Auf jedem von ihnen können Sie nur in zwei Tonarten spielen - Dur und Moll.

Die Entstehung einer neuen Ordnung

Im 18. Jahrhundert schlugen mehrere Musiktheoretiker die Einführung einer neuen Stimmung vor. BEIDarin wurde die Oktave in 12 Töne unterteilt, die genau einen halben Ton hintereinander hinkten. Dieses System wird als gleichschwebend temperiert bezeichnet. Sie hatte viele Unterstützer, aber auch genügend scharfe Kritiker. Die Rolle des Schöpfers des temperierten Systems wird mehreren Personen gleichzeitig zugeschrieben. Am häufigsten klingen in diesem Zusammenhang die Namen Heinrich Gramateus, Vincenzo Galilei und Maren Marsenna.

Widerspruch

Auf die Frage "Welche Tonleiter nennt man gleichschwebende Stimmung?" Die folgende Antwort kann als ziemlich vollständig angesehen werden: "Dies ist ein System, bei dem eine Oktave zwölf in Halbtönen angeordnete Noten enthält." Einige Kritiker dieses Ansatzes zur Instrumentenstimmung sagten, dass er nicht perfekt genau ist und die natürliche Stimmung viel sauberer klingt. In diesem System singen und spielen Amateurmusiker aus dem Volk. In den Erinnerungen des Schriftstellers, Komponisten und Musiktheoretikers Vladimir Odoevsky findet sich eine Geschichte darüber, wie er einmal einen solchen Sänger zu einem Besuch eingeladen hat. Als Odoevsky begann, den Gast zu begleiten, hörte er, dass die temperamentvolle Skala des Klaviers nicht zu den Noten passte, die diese Person sang.

Nach diesem Vorfall stimmte der Komponist sein Klavier anders. Sein Klang ist nahezu natürlich.

Schlussfolgerung

Es geschah im neunzehnten Jahrhundert. Doch die Auseinandersetzungen zwischen Befürwortern und Gegnern des gleichmäßig temperierten Systems in der Musik reißen noch immer nicht ab. Die ersten schützen die Möglichkeit des freien Übergangs in verschiedene Tonarten, die zweiten stehen für die Reinheit der Stimmung des Instruments. Es gibt auch andereexotischere Anpassungsoptionen. Ein Beispiel ist die Microtone-Gitarre. Aber die überwiegende Mehrheit der Instrumente auf der Welt hat immer noch eine gleichschwebende Stimmung.