Jean Auguste Dominique Ingres: die besten Gemälde von Ingres

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 05:31

Jean Auguste Dominique Ingres (29. August 1780 in Montauban, Frankreich; † 14. Januar 1867 in Paris) war ein Künstler und eine Ikone des kulturellen Konservatismus im Frankreich des 19. Jahrhunderts. Ingres wurde nach dem Tod seines Mentors Jacques-Louis David zu einem wichtigen Befürworter der französischen neoklassizistischen Malerei. Sein hochwertiges, akribisch gezeichnetes Werk war ein stilistischer Kontrast zur Emotionalität und Farbigkeit der modernen romantischen Schule. Als monumentaler Historienmaler versuchte Ingres, die klassische Tradition von Raffael und Nicolas Poussin fortzusetzen. Die räumlichen und anatomischen Verzerrungen, die seine Porträts und Akte charakterisieren, nehmen jedoch viele der gewagtesten formalen Experimente der Moderne des 20. Jahrhunderts vorweg.

Ödipus und die Sphinx, 1808-1827

Entschlossen, sein Talent unter Beweis zu stellen, widmete sich der junge Jean Auguste Dominique Ingres der GeschichteMalerei, das angesehenste Genre in der Akademie. Getreu seiner neoklassizistischen Ausbildung wählte Ingres sein Thema aus der griechischen Mythologie, entfernt sich jedoch von den stoischen Helden Davids. Hier sehen Sie, wie sich der tragische Held Ödipus dem Rätsel der Sphinx stellte.

Die schreckliche Bedrohung wird durch einen ominösen Haufen menschlicher Überreste dargestellt, der durch Ödipus' Begleiter verschärft wird, der im Hintergrund vor Schrecken flieht. Obwohl sich das Gemälde auf den klassischen männlichen Akt konzentriert, ist die Erzählung komplexer als Davids moralisches Universum und bietet einen Schritt in Richtung der komplexen Psychologie der Romantik. Die richtige Antwort von Ödipus wird es ihm ermöglichen, dem Tod zu entgehen und seinen Weg nach Theben fortzusetzen, aber sein Schicksal ist dem Untergang geweiht.

Das Schicksal des Gemäldes

Als Ingres das Gemälde nach Paris schickte, erhielt er eine lauwarme Kritik; Kritiker argumentierten, dass die Umrisse nicht scharf genug seien, die Beleuchtung schwach und die Beziehung zwischen den Figuren nicht ausreichend ausgeprägt sei.

Bemerkenswert ist, dass Jean-Auguste Dominique Ingres auch vor der dunklen Seite der Geschichte nicht zurückschreckt: Das dramatische Hell-Dunkel, das durch das aufsteigende Licht entsteht, verleiht dem Bild einen bedrohlichen Unterton. Dies deutet auf subtile Weise das tragische Schicksal von Ödipus an, nämlich die Heirat mit seiner Mutter Iokaste und den späteren Tod. Sigmund Freud, der damals den griechischen Mythos in seiner Formulierung des Ödipuskomplexes populär machte, ließ eine gedruckte Kopie dieses Gemäldes über dem Sofa in seinem Büro aufhängen.

La Grande Odalisque, 1814

In seinem Gemälde "Grand Odalisque" demonstriert Ingres sowohl seinen akademischen Hintergrund als auch seine Vorliebe fürExperimente. Tatsächlich kommt das Bild einer idealisierten nackten Figur den klassischen Bildern der Aphrodite im antiken Griechenland nahe. Die schiefe Frau ist seit der Renaissance ein beliebtes Motiv. Tizians Venus von Urbino war sicherlich ein wichtiges Beispiel für Ingres.

Merkmale des Gemäldes

Hier setzt die Künstlerin diese Tradition fort, indem sie die Figur durch eine Reihe geschwungener Linien zeichnet, die die weichen Rundungen ihres Körpers betonen, und die Frau in einen reichen Raum stellt, der mit glänzenden Stoffen und akribisch detailliertem Schmuck geschmückt ist. Obwohl er den Körper mit einer gemeißelten Oberfläche und klaren Linien dargestellt hat, die mit dem Neoklassizismus in Verbindung gebracht werden, sind einige Verzerrungen in diesem Gemälde deutlich sichtbar.

Eine Frau würde zwei oder drei zusätzliche Wirbel brauchen, um eine so dramatische, verdrehte Pose zu erreichen, genauso wie die Beine der Figur unproportioniert erscheinen, das linke ist verlängert und an der Hüfte unterschiedlich groß. Das Ergebnis ist paradox: Sie ist auffallend schön und unglaublich seltsam.

Ingres' Fähigkeit, Elemente neoklassischer Linearität und romantischer Sensibilität zu kombinieren und sich einer einfachen Kategorisierung zu widersetzen, diente als Modell für zukünftige Avantgarde-Künstler.

Antike Motive

Ingres‘Gemälde „Die Apotheose des Homer“wurde 1827 gem alt. Der Künstler wurde beauftragt, die Decke des Louvre anlässlich der Eröffnung des Museums zu schmücken, das die kulturelle Überlegenheit Frankreichs demonstrieren und damit die Legitimität seines Monarchen stärken sollte. Entscheidend dafür war die Schaffung eines Kontinuums,die sich von der Antike bis ins moderne Frankreich erstreckten, und so wurde dieses Gemälde zu einem Projekt politischer und kultureller Legitimation.

Der Künstler ehrt Homer als Schöpfer der westlichen Zivilisation. Er sitzt im Zentrum der Komposition, gekrönt vom Lorbeerkranz der Siegesgöttin Nike, flankiert von Personifikationen seiner beiden Meisterwerke, der Ilias (links, daneben liegt ein Schwert) und der Odyssee (auf rechts, ein Ruder lehnt an seinem Bein). Homer wird von über 40 Figuren aus dem westlichen Kanon flankiert, darunter der griechische Bildhauer Phidias (mit einem Hammer), die großen Philosophen Sokrates und Plato (im Dialog links von Phidias einander gegenüberstehend), Alexander der Große (im Hintergrund rechts in goldener Rüstung) und andere..

Ingres enthielt auch Figuren aus den letzten Jahrhunderten. Michelangelo sitzt unter Alexander dem Großen mit einem Zeichenbrett in der Hand. William Shakespeare steht links unten neben dem Maler Nicholas Poussin, zusammen mit Mozart und dem Dichter Dante. Ingres' Held und Inspiration, Raphael, trägt eine dunkle Tunika, er hat sich mit dem griechischen Maler Apelles zusammengetan, und dazwischen eine meist versteckte Gest alt mit jugendlichem Gesicht, angeblich ein Porträt des jüngsten Jean Auguste. Ob es sich um ein Selbstporträt handelt oder nicht, der Künstler hat seine kulturelle Herkunft klar definiert und die Überlegenheit klassischer Werte bekräftigt.

Imaginärer Osten

Das Bild von Jean Auguste Dominique Ingres "Türkisches Bad" ist eine seiner komplexesten Kompositionen. Körper scheinen darüber hinauszugehenrunde Leinwand, die Dichte der räumlichen Tiefe vervielfacht die ohnehin schon große Anzahl von Körpern. Ingres zeigt ein anh altendes Interesse an kolonialen Themen. Auffallend ist die offene Sinnlichkeit der Figuren, deren Gliedmaßen sich zu einer zugänglichen, exotischen Erotik verschränken.

Auch hier verbindet der Künstler Elemente des Neoklassizismus und der Romantik. Seine geschwungenen Linien grenzen an die Fließfähigkeit der Arabeske, betonen jedoch die skulpturale Oberfläche und die präzisen Übergänge. Auch hier genießt er künstlerische Freiheit bei der Darstellung der menschlichen Anatomie – die Gliedmaßen und Oberkörper der Figuren sind zugunsten einer harmonischeren Ästhetik verzerrt und zeigen dennoch die besondere Art des Akademikers.

Ingres, der nie in den Nahen Osten oder nach Afrika gereist war, ließ sich von den Briefen der Aristokratin Lady Mary Montagu aus dem 18. Jahrhundert inspirieren und kopierte ihre Notizen im Osmanischen Reich in seine eigenen Notizen. In einem Brief beschrieb Montague das überfüllte Badehaus in Adrianopel: „Nackte Frauen in verschiedenen Posen … einige reden, andere trinken Kaffee oder probieren Sorbet, und viele dehnen sich nachlässig.“In diesem Gemälde übersetzte Ingres ein Gefühl träger Entspannung in die Körper seiner Figuren, die mit Turbanen und reich bestickten Stoffen geschmückt sind und mit einem imaginären Orient in Verbindung gebracht werden.

Im Auftrag von Prinz Napoleon wurde das Gemälde 1852 zunächst im Palais Palace gezeigt, dann an Ingres zurückgegeben, der es bis 1863 aktiv modifizierte. Schließlich beschloss er, das traditionelle rechteckige Format der Tondo-Malerei radikal zu ändern und den Eindruck der Verdichtung der Figuren zu verstärken. Erst 1905 wurde das Bild gezeigtöffentlich. Schon damals g alt sein Debüt beim Salon d'Automne als revolutionär. Ingres wurde von der aufstrebenden Avantgarde begeistert aufgenommen.

"Gelübde Ludwigs XIII.", 1824

Als Ingres 1806 Paris verließ, schwor er, dass er nicht zurückkehren würde, bis er als ernsthafter und bedeutender Meister anerkannt wurde. Diese Arbeit von 1824 trug zu seiner siegreichen Rückkehr bei. Das über vier Meter hohe Monumentalgemälde präsentiert ein komplexes Thema, das historische und religiöse Bilder verbindet.

Die Szene des Gemäldes von Ingres ist dem bedeutenden Moment der Herrschaft von König Ludwig XIII. gewidmet, als er Frankreich der Jungfrau Maria weihte. Dieser Akt wurde bis zur Revolution von 1789 als jährlicher Feiertag gefeiert und nach der Rückkehr der Bourbonen auf den französischen Thron wiederhergestellt. Es war also eine historische Episode mit einer ganz spezifischen zeitgenössischen Bedeutung. Das Gemälde demonstriert die Fähigkeit von Ingres, die historische und moderne Übersetzung der klassischen Szene in ein vereinfachtes visuelles Vokabular des 19. Jahrhunderts zu integrieren.

Die Erzählung verlangte von Ingres, die Komposition zwischen dem irdischen Reich Ludwigs XIII. und dem himmlischen Reich darüber sorgfältig auszubalancieren. Jean Auguste schuf zwei unterschiedliche Atmosphären, um die Räume zu differenzieren, indem er die Jungfrau Maria in eine warme, idealisierte Ausstrahlung tauchte und insbesondere die Materialität und Texturen Ludwigs XIII. betonte.

Ein Jahr nach diesem Erfolg wurde Ingres mit der Ehrenlegion ausgezeichnet und zum Mitglied der Akademie gewählt.

Die schönste Figur der französischen Malerei

WeiterarbeitenDer Brunnenkopf von Jean Auguste Dominique Ingres wurde um 1820 in Florenz begonnen und erst 1856 in Paris fertiggestellt. Als er das Gemälde fertigstellte, war er bereits sechsundsiebzig Jahre alt.

Das Bild zeigt ein nacktes Mädchen, das neben den Felsen steht und einen Krug hält, aus dem Wasser fließt. So repräsentiert sie die Quelle des Wassers oder die Quelle, die in der klassischen Literatur den Musen und der poetischen Inspiration heilig ist. Sie steht zwischen zwei Blumen und wird umrahmt von Efeu, der Pflanze des Dionysos, dem Gott der Unordnung, Wiedergeburt und Ekstase. Das Wasser, das sie ausgießt, trennt sie vom Betrachter, während die Flüsse Grenzen markieren, deren Überquerung symbolisch wichtig ist.

Einige Kunsthistoriker glauben, dass es in diesem Gemälde von Ingres eine „symbolische Einheit von Frau und Natur“gibt, bei der blühende Pflanzen und Wasser als Hintergrund dienen, den der Künstler mit „sekundären Attributen“einer Frau füllt.