Canova Antonio ist der neue Phidias

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-17 05:31

Canova Antonio (1757-1822) - italienischer Maler und Bildhauer, ein herausragender Vertreter des Neoklassizismus, ein Sänger von vollkommener Schönheit. Seine Arbeit und sein Genie machten eine weitere Revolution in der Kunst. In der ersten Phase seines Schaffens waren alle vom Barockgenie Lorenzo Bernini beeinflusst, aber der junge Antonio fand seinen Weg.

Kindheit und Jugend

Canova Antonio wurde in Possagno geboren, einer kleinen Stadt in Treviso, in den Ausläufern des Grappa. Im Alter von vier Jahren verlor er beide Eltern und wurde von seinem Großvater erzogen, der einen schwierigen Charakter hatte. Großvater war Steinmetz. Er verstand die Berufung seines Enkels und stellte ihn Senator Giovanni Faliero vor. Unter seiner Schirmherrschaft begann Canova Antonio 1768 in Venedig, seine ersten Skulpturen zu schnitzen. In der Zwischenzeit verkaufte der Großvater einen kleinen Bauernhof, und der Erlös diente dazu, Antonio die Möglichkeit zu geben, antike Kunst zu studieren. Im Oktober 1773 begann er im Auftrag von Faliero Canova mit der Arbeit an der Skulptur „Orpheus und Eurydike“, die zwei Jahre später vollendet und mit großem Erfolg abgenommen wurde. Er ließ sich von der antiken griechischen Kunst inspirieren und erlag nicht dem Einfluss der Meisterwerke des 18. Jahrhunderts. Der junge Antonio hat seine geschaffeneigene Werkstatt in Venedig. 1779 schuf er eine weitere Skulptur – „Dädalus und Ikarus“– und stellte sie auf dem Markusplatz auf. Es hat auch breite Anerkennung gefunden.

Dädalus und Ikarus

Eines der ersten Werke von Canova, das zwei Figuren darstellt. Dies ist ein junger, perfekt schöner Ikarus und ein alter Daedalus mit einem alles andere als makellosen Körper. Die Rezeption des Gegensatzes von Alter und Jugend verstärkt den Eindruck der Komposition, in der der Bildhauer eine neue Technik findet. Er wird es in Zukunft nutzen: Die Symmetrieachse ist in der Mitte, aber Ikarus ist nach hinten geneigt, und zusammen mit Dädalus bilden sie eine X-förmige Linie. Auf diese Weise erhält er das notwendige Gleichgewicht. Auch das Spiel von Licht und Schatten ist dem Meister wichtig.

Umzug nach Rom

Im Alter von 22 Jahren, im Jahr 1799, reist Antonio nach Rom und beginnt, die Werke der griechischen Meister eingehend zu studieren. Außerdem besucht er die Nacktschule der Académie française und das Kapitolinische Museum. Er erkennt die Hauptfiguren der mythologischen Kunst und denkt über seine eigenen künstlerischen Prinzipien nach, die auf edler Einfachheit basieren werden. Dies wird seine Entwicklung als Künstler beeinflussen. Antonio Canova entwickelt den klassischen Stil weiter und schafft Skulpturen, von denen seine Zeitgenossen glauben, dass er den besten antiken Bildhauern ebenbürtig ist. Aber es wird ein wenig später sein, aber jetzt passt es einfach erfolgreich in die kulturelle Atmosphäre Roms. Dort wird er seine besten Werke schaffen – „Amor und Psyche“, „Drei Grazien“und „Büßende Magdalena“, die ihm Erfolg und weltweiten Ruhm einbrachten.

Amor und Psyche

"Amor undPsyche" ist eine Gruppe von zwei Figuren. Sie wurden zwischen 1800 und 1803 hergestellt. Zärtlich betrachtet der Gott der Liebe das Gesicht seiner geliebten Psyche, die ihm mit nicht weniger Zärtlichkeit antwortet. Die Formen schneiden sich so im Raum, dass sie eine weiche, geschwungene X-Linie bilden, die den Eindruck erweckt, als würden sie im Raum schweben.

Dies ist eine sehr elegante Arabeske, in der Psyche und Amor diagonal auseinanderlaufen. Die ausgebreiteten Flügel des Liebesgottes gleichen die H altung der Körper aus. Die Hände von Psyche, die den Kopf von Amor umarmen, bilden ein Zentrum, auf das sich alle Aufmerksamkeit konzentriert. Die elegant fließenden Formen der Liebespaare drücken Antonios Vorstellung von idealer Schönheit aus. Das Originalwerk wird im Louvre aufbewahrt.

Einfluss griechischer Kunst

Am Anfang unterschied sich Antonios Werk nicht allzu sehr von den Werken anderer Bildhauer. Beim Studium griechischer Skulpturen kam Canova Antonio jedoch zu dem Schluss, dass übertriebene Darstellungen von Leidenschaften und Gesten vermieden werden sollten. Nur indem man sich beherrscht, die Harmonie mit der Algebra überprüft, allegorisch spricht, kann man das Sinnliche im Ideal vermitteln. Es wird nicht wie Rokokokunst aussehen. Antonio schuf nach und nach seine Werke. Erst in Wachs, dann in Ton, dann in Gips. Und erst danach ging er zum Marmor über. Er war ein unermüdlicher Arbeiter, der die Werkstatt für 12-14 Stunden nicht verließ.

Mythologische Geschichten

Die Drei Grazien wurden zwischen 1813 und 1816 auf Wunsch von Josephine Beauharnais geschaffen. Es ist wahrscheinlich, dass Canova das traditionelle Bild von Charit darstellen wollte, das in existierteGriechisch-römische Mythologie. Die drei Töchter des Zeus – Aglaia, Euphrosyne und Thalia – begleiten normalerweise Aphrodite.

Schönheit, Freude, Wohlstand sind ihre Symbole. Zwei Mädchen umarmen die zentrale Figur, sie sind auch durch einen Schal verbunden, der die Einheit der Figuren verstärkt. Es ist erwähnenswert, dass eine Stützsäule vorhanden ist, eine Art Altar, auf dem ein Kranz platziert ist. Wie in anderen Arbeiten von Canova führen die sanften Kurven perfekter weiblicher Körper und die Perfektion der Marmorverarbeitung zu einem Spiel von Licht und Schatten. Die drei Charites stehen für Anmut, die als Harmonie der Formen, Raffinesse und Anmut der H altungen verstanden wird. Das Original befindet sich in der Eremitage.

Unnachahmlicher Stil

Der Bildhauer verwendete ausschließlich weißen Marmor, den er mit Plastizität und Anmut, Raffinesse und Leichtigkeit modellierte. Seine harmonischen Skulpturen, die in der Unbeweglichkeit leben, scheinen dennoch in Bewegung zu leben. Ein weiteres Merkmal seines Talents war, dass er alle Polierarbeiten auf das Maximum brachte. Dadurch erh alten sie einen besonderen Glanz, der die natürliche strahlende Schönheit zur Geltung bringt.

Reuige Magdalena

Diese Skulptur stammt aus der Zeit zwischen 1793 und 1796. Das Original wird in Genua aufbewahrt. Dies war das erste Werk des Bildhauers, der 1808 für eine Ausstellung im Salon nach Paris kam. Die junge und schöne Maria Magdalena fiel auf einem Stein auf die Knie. Ihr Körper ist gebrochen, ihr Kopf ist nach links geneigt, ihre Augen sind mit Tränen gefüllt. In ihren Händen hält sie ein Kruzifix, von dem sie ihre Augen nicht abwenden kann.

Sie trägt ein grobes Sackleinen, das von einem Seil gestützt wird, ihr Haar lässig über ihre Schultern gestreut. Die ganze Figur ist voller Trauer. Kleidung und Körper haben einen leicht gelblichen Belag. Damit wollte der Bildhauer den Kontrast zwischen dem sinnlichen Reiz, der von der Figur ausgeht, und dem Wissen um die Tiefen der Sünde betonen. Mit dem Ruf der göttlichen Vergebung und Reue versuchte der Autor, eine Person zu erheben.

Während der Besetzung Italiens durch Napoleon wurden viele italienische Werke nach Frankreich gebracht. Nach dem Fall des Imperiums übernahm Canova die diplomatische Aufgabe, sie in ihre Heimat zurückzubringen. Gestohlene und illegal exportierte Kunstwerke wurden dank seiner Bemühungen zurückgegeben. Papst Pius VII. verlieh ihm aus Dankbarkeit für seinen Patriotismus den Titel eines Marquis von Ischia di Castro. So entwickelte sich die Biographie von Antonio Canova unerwartet.

Canova starb am Morgen des 13. Oktober 1822. Er wurde in einem von ihm selbst geschaffenen Grab in seiner Heimat in Possagno beigesetzt. Sein Herz wird separat begraben.

Der Leser wird kurz in das Werk und die Biographie von Antonio Canova eingeführt.